于轶文工作照
于轶文，1981年出生于湖南邵阳，2003年至2007年就读于中央美术学院，获文学学士学位。2009年至2013年就读于中央美术学院，获文学硕士学位。2013年至今为9001cc金沙以诚为本油画系教师。
近日，校党委宣传部新闻中心的学生记者对于轶文老师进行了专访。
围墙之外 有趣的事
铅笔勾勾画画，涂些颜色，物体的“体积”便跃然纸上。
“这个事儿很神奇，起码在当时觉得，比读书有意思多了。”回尝艺术的初衷，于轶文如是说。“市里书法比赛获奖，被学校美术兴趣班给拉了去，画些啤酒瓶什么的。学校不能走读，老师查完寝，又翻墙出去写毛笔字，有意思才坚持。当时什么都不懂，纯是个爱好。后来听别人说美术也可以考大学，就感觉学美术挺好的。”
高中的师兄回来说长沙河西一处有很多画室，如何如何，于轶文背上一大包行囊坐上了去长沙的火车。
“老实说，上了车突然很茫然，不知道要做什么。”辗转几日安定下来，于轶文按着自己的喜好选定了画室，“很纯粹的事，想着能画画就足够了，想考大学，也不知道哪个好。那个意识很朴素，就是考个大学能画画就行。”
从师段江华先生，于轶文择定了油画专业。“画油画挺过瘾的。那时候小，不具备对未来几十年规划的考虑，觉得洋气，对书法的喜爱便搁置下来。现在回想，或许当时应该坚持书法、国画，中国人的内心还是天生有对水墨敏感的东西。”
于轶文自嘲油画是稀里糊涂选上的表达方式，在这之中摸索，误打误撞的一点火苗却恰恰也投中了内心的诉求，火光之中，现实被温度撼动，是凉灯村漫天星星的夜晚、是灶火旁通红的脸、是歪斜的椅子或是随意躺着的一把柴火。
于轶文工作照2
床系列一 布面油画 140X120 2019
鼓桶 布面油画 150X190 2019
肉身体验 痛感与解放
2010年夏天始，于轶文去往湘西凉灯村写生，此后所谓“农村题材”的创作便常驻于其画面之间。从“凉灯村”系列到“龙升平”组画，于轶文笔下的湖南湘西凉灯村现实图景的创作，讲述着偏远乡村里琐碎平常的日子。艰涩厚重的颜料堆积在画面上，像是每一个日日夜夜在其上爬行的痕迹。
一问，“为什么画农村？”
答，“很简单。人总是会倾向自己熟悉的题材，有切身体会，有肉身感受，和写文章一样，首先得感动自己。”出身农村，于轶文的生活经历间接促进了其一系列农村题材艺术创作的完成，“并不是说我对别的世界的东西漠然，一个人的出生，成长经历，在骨子里影响他。我想我会比别人更愿意去贴近土地，原始生命的气息。尤其在学习美术之后，这种感受更加强烈。”于轶文也坦言，人总有种拧着的劲儿，不甘将自己定义为怎样的艺术家或是局限于某一题材的艺术家。然而兜兜转转一圈，生活有所牵连处才是动人之处。
“我想，艺术无非是这个样子，有自己的肉身体验，将这种体验传递出去。”于轶文解释，其认为艺术的作用，是一种痛感，观看的疼痛感，由此引人思考。“说是社会责任好像太过，那是一种悲情的力量，往往越悲情的东西，越有一种魅力。它代表了当时某一方面的时代缩影，普遍意义上的，或是特殊情况，艺术家将其提取或强化处理再投入社会，就给社会一种反响。”
大地 布面油画 50X60 2019
黑色系列一组画 布面油画 150X190 2018
又问，“为什么画农村？”
“画农村，是画自己。”提及“为龙升平老人造像”系列作品，于轶文说，多年后回想，这个作品不能叫现实主义，但也可以叫现实主义。所谓“为龙升平造像”于己而言几乎像一个借口，不过一个通常形象反复出现。“是我自己内心的解放。从他生活的硬度和老去时无所求的某种柔软，我看到——活着——那种存在。从农村出来，考到很远的地方去读书，我有强烈的欲望、追求、虚荣心，将来要衣锦还乡，要很有荣耀。而在农村，我体会到生命的平淡，我从中释放了自己世俗的愿望，要成功或是怎样。画他，是一面镜子，反射的是我自己。”
十余年来，于轶文将生活，创作其间一厘一毫都投入了偏远农村，为凉灯村作影，为龙升平老人画像，同他抽烟、喝酒、砍柴、闲话。画出来是黑黝黝的房屋，执着的是活着的年月、人物、物件，活着的自己与许许多多同样的生命，正如其自己所言，“我高兴他们的高兴，欢乐他们的欢乐，哀愁他们的哀愁。”
黑色系列三组画 布面油画 30X30 2018
龙升平组画 综合材料 180X160 2017
无谓新旧 绘画本身的关注
2019年4月，武汉美术馆“天桥——交叉的经验”群展展出于轶文作品——“黑色集中营”。画面的形式与内容与往日略有分别。现实主义的树枝似乎向着某片更远处悄然延伸。
十年凉灯村，画了一幅幅的画，画尽了龙升平老人生命的尾声。这一笔艺术的圆圈似乎也将尽，“我不可能再去寻找另一个‘龙升平’，再去重复一些东西。”伴随画面语言的深入，于轶文意识到，当代性无可避免，谁也无法免于其中。“我认为艺术的发展必然从传统中脱胎独立，越往后越私人化。黑色系列就是在思考这个问题。”
从于轶文长期的创作中不难看其出视角、表达上的转变。从最初的生活琐碎的直接截取到专注于某个独立个体的深入与投映，进而走近实体与象征间主体思考的凝结。画面由相对固定的语言结构走向更加自由的诉说诉求，像是一只虫一样钻进了物象的深处。
而所谓新旧的挣扎在于轶文看来，无论是新材料的尝试，艺术语言的推进，对其而言，“没有传统不传统，新不新，旧不旧，只有作品本身。何种手段，无非是作品通过不同媒介更直接地表达对对象的诉求，这种层面上，没有新和旧。”
谈及之后创作的方向，于轶文坚持，“我还是想画农村题材，我想摸索生命的痕迹。这些东西被时间和生命参与，很珍贵。我确实对土地，对农村的感情深一点，我想继续画下去。”
会再有怎样的转机与改变？于轶文直言，“我不知道会怎样继续下去，我想边走边看。最想做的是遵循自我，想把自己活成自己。”
龙升平组画 综合材料 160X160 2017
比烟花黯淡 给龙升平造像记（40）180X180 2017年
保持新鲜 何畏成熟与否
作为湖美的教师，于轶文对学生毕业展作品有过一句有趣的评价，“都挺好，不管是多成熟还是多不成熟，他是把自己挂起来给别人看了，这已经很成功了。”
年轻的青春是大胆，同时是畏手畏脚的张望。对在读的学生，于轶文鼓励试验与尝试。“试验不是冲着成熟去的，是奔着探索去的，它就不会那么焦灼，功利，不会很容易就被束缚。研究和探索更多的是追问自己和社会的一些关系。美术院校可以为你普及美术常识的教育，但真正的艺术无法培养，需要个人强烈主观原动力的发掘。”
从自身的经历出发，于轶文更提出旅行是一行之有效的保持新鲜的方式。“在熟悉的环境里变得冷漠是常有的事，会想当然，会理所应当。出去走走，新鲜而陌生的事物，会刺激好奇心去重新审视。对于学生来说不要站在成功论的角度去做作品，为了参加展览或是怎样，看书，走动，理解别人的生活与思维，要看新的东西。”
比烟花黯淡 给龙升平造像记（3）140×120 2016年
龙升平组画（25） 综合材料 160X210 2016年
龙升平组画（11） 布面油画 140X80 2014年
龙升平组画（26） 布面油画 50X60 2013年
龙升平组画（19） 布面油画 240X150 2012年
比烟花黯淡 给龙升平造像记 30X40 2012
附：个展
2017年“光阴—龙升平”个人作品展 北京今日美术馆
2014年“弄离—于轶文在凉灯个人作品展”北京圣之空间艺术中心
（记者：夏雪 张亚男 张庆荷）
